Jean Renoir fue un director francés de cine nacido en París en 1894 y fallecido en California en 1979, uno de los grandes artistas que el cine conoce
Jean Renoir fue un director francés de cine nacido en París en 1894 y fallecido en California en 1979. También fue guionista, actor y productor.
Renoir es uno de los mejores artistas que el cine haya conocido, simplemente porque fue capaz de trabajar eficazmente en prácticamente todos los géneros sin sacrificar su individualidad o inclinarse ante las convenciones públicas o comerciales. Aunque fue hijo del famoso pintor impresionista Auguste Renoir, su sensibilidad visual era enteramente suya, y la facilidad técnica que caracteriza sus películas es el resultado de un largo y asiduo estudio.
El primer interés serio de Renoir en el cine se desarrolló durante un período de recuperación después de haber sido herido por una bala perdida mientras servía con la infantería alpina en 1915. Su primera participación activa llegó en 1924, cuando el dinero recaudado por la venta de algunas de las pinturas de su padre (Auguste Renoir había muerto en 1919) le permitió comenzar la producción de Una vida sin alegría en 1924. Renoir proporcionó el guion y Albert Dieudonné la dirección; La joven esposa de Renoir, Andrée Madeleine Heuchling, una ex modelo de su padre, fue la estrella, con su nombre cambiado a Catherine Hessling para fines de facturación.
La primera película de Renoir como director, La hija del agua, se rodó en 1924, con Renoir también funcionando como productor y director de arte, y Catherine Hessling de nuevo como protagonista. Anticipándose a L'Atalante (1934) de Jean Vigo, la trama de la película se centró en una joven que vive y trabaja en un barco fluvial. Su modesto éxito llevó a Renoir a sumergirse, algo impulsivamente, en la dirección de Nana (1926), una adaptación de la novela de Zola que ahora parece inusualmente escenificada.
Casi en bancarrota, Renoir tuvo que pedir un préstamo para financiar su siguiente película, Sur un air de Charleston (1927), una fantasía de 24 minutos que presentaba a Hessling enseñando el popular título de baile en trajes que eran lo más breves posible. Después de lograr un éxito limitado, Renoir aceptó un trabajo directo de dirección comercial en Marquitta (1927).
La siguiente película significativa de Renoir fue Escurrir el bulto (1928), una comedia militar que François Truffaut llamaría más tarde un "tour de force" visual y que marcó la primera colaboración del director con el actor Michel Simon. Mientras tanto, la relación de trabajo entre Renoir y Hessling había pasado factura; la pareja se separó en 1930, aunque Hessling continuó apareciendo en algunas de las películas de Renoir.
Para demostrar que entendía el nuevo medio del cine sonoro, Renoir dirigió una comedia sucia basada en una farsa de Georges Feydeau, La purga del bebé (1931). La película fue filmada en un horario muy breve, con Renoir aparentemente dejando que la cámara funcionara el mayor tiempo posible durante cada toma, para evitar el torpe aparato de grabación de sonido en disco. También insertó una serie de casos de "humor azul" leve (por ejemplo, el sonido de un inodoro que se escucha fuera de la pantalla). Tal vez porque había apuntado tan resueltamente al éxito comercial, el primer cine sonoro de Renoir fue un gran éxito, lo que le permitió apresurarse en la producción de su primera película sonora importante, La golfa (1931). Esta fue la primera de sus películas en ser editada por Marguerite Mathieu, con quien Renoir se involucró románticamente en este momento y que más tarde tomaría el nombre de Marguerite Renoir, aunque la pareja nunca se casó. Fue en esta película, también, en la que Renoir desarrolló su estrategia temprana de grabación de sonido. Ante las objeciones de sus productores hasta sus técnicos de sonido, insistió en usar solo sonido de sincronización natural, grabado en su mayor parte en ubicaciones reales. También hizo un uso extensivo de una cámara en movimiento, particularmente en una secuencia donde la cámara también baila alrededor de la pista de baile, manteniendo una sincronización perfecta con los actores.
Renoir luego dirigió a su hermano Pièrre Renoir en La noche de la encrucijada (1932), una brillante pero poco vista película de detectives basada en una de las novelas del inspector Maigrent de Georges Siménon. Siguió con la deliciosa comedia, Boudu salvado de las aguas (1932). La película utiliza la ya pulida técnica de disparo de sonido sincronizado para contar la historia de Boudu (Michel Simon), un vagabundo que es sacado del Sena por un librero burgués bien intencionado (Charles Granval) después de un intento de suicidio. Llevado a la casa del librero, Boudu causa estragos hasta que escapa durante un accidente de navegación, libre para vagar de nuevo. El encanto y la invención de esta hermosa película la convierten en una de las glorias del cine sonoro temprano. (Fue rehecha en 1986 por el director Paul Mazursky como Un loco suelto en Hollywood).
Con el éxito crítico y popular de Boudu salvado de las aguas, Renoir se embarcó en un proyecto que recuerda a su Nana (1926). Madame Bovary (1934) fue protagonizada por Pièrre Renoir como Charles Bovary y Valentine Tessier como Emma Bovary. El primer corte de la película duró tres horas y treinta minutos, pero finalmente se redujo a dos horas. Aún así, la película tuvo poco éxito comercial. Sin inmutarse, Renoir comenzó a rodar Toni (1935) casi en su totalidad en Martigues, utilizando actores no profesionales en la mayoría de los papeles. Toni presagia así el movimiento neorrealista italiano por más de una década, y siguiendo su inclinación inherente por el "naturalismo", Renoir creó una película hermosa y trágica que ahora es reconocida como una de sus mejores obras. Sin embargo, la película recibió poco favor del público o de la crítica, un patrón que se estaba volviendo cada vez más familiar para del director.
La siguiente película de Renoir, El crimen del Sr. Lange (1936), marcó la única colaboración del director con el escritor Jacques Prévert, y dio amplia evidencia de la creciente politización del director. Marcada por un trabajo de cámara hermoso, fluido pero cuidadosamente preciso, así como por la excelente actuación de conjunto del Groupe Octobre, El crimen del Sr. Lange es una de las mejores y más accesibles películas de Renoir. Fue seguida por La vida es nuestra (1936), un tratado político que tiene un parecido sorprendente con los "ciné tracts" de Jean-Luc Godard de finales de la década de 1960 y principios de los 70. Inicialmente retenida por el censor, la película disfrutó de un lanzamiento limitado en los Estados Unidos en 1937, pero no se mostró al público francés hasta 1969, como resultado de los disturbios estudiantiles en Francia en mayo anterior.
Renoir estaba llegando al final de su primera gran etapa de actividad como director, y en rápida sucesión creó una serie de películas inolvidables: Una partida de campo (1936), basada en un cuento de Guy de Maupassant, completada frente a considerables dificultades de producción, y no estrenada en Francia hasta 1946 y en los Estados Unidos en 1950; Los bajos fondos (1936), una adaptación de la obra de Máximo Gorki; La gran ilusión (1937), una de las películas más conocidas y queridas de todos los tiempos, un documento antibélico tan convincente como nunca se haya creado; La marsellesa (1938), un examen de los acontecimientos de la Revolución Francesa, característicamente reducida a escala humana, a pesar de los impresionantes valores de producción; La bestia humana (1938), una adaptación de la novela de Zola (rehecha por Fritz Lang en 1954 como Deseos humanos); y finalmente, La regla del juego (1939), ahora universalmente reconocida como la obra maestra del director, aunque, sorprendentemente, fue vilipendiada en su lanzamiento inicial. Esta historia astutamente observada de romance entre los aristócratas y la clase trabajadora durante un fin de semana deportivo en el país fue un completo fracaso de taquilla en su lanzamiento inicial. La película fue retirada después de una breve carrera y no se revivió hasta 1945, y más tarde 1948, y luego solo en una versión mutilada que no daba sentido de la original. No fue hasta 1965 que la versión "definitiva" de la película fue reconstruida a partir de diversos materiales de archivo.
Renoir pasó gran parte de 1939 en Roma, enseñando en el Centro Sperimental di Cinematografia. Co-escribió, con Carl Koch y Luchino Visconti, una versión cinematográfica de Tosca y comenzó la producción en la primavera de 1940, sólo para ser interrumpido por la entrada de Italia en la Segunda Guerra Mundial. Koch completó la película, y Renoir regresó a Francia.
En 1940, sin embargo, Renoir llegó a Estados Unidos a instancias del documentalista Robert J. Flaherty. Su "período americano" estaría marcado por una serie de películas desiguales, pero consiguió la producción de al menos dos de gran belleza y logros. Renoir disfrutó de un éxito modesto con su primera película estadounidense, Aguas pantanosas (1941), protagonizada por Dana Andrews, Walter Huston, John Carradine y Walter Brennan, y filmada en Georgia. Mientras tanto, sin embargo, sus admiradores en Francia se habían vuelto contra él. En un momento crucial de la historia de su país, se quejaron, el director se había "ido a Hollywood". Haciendo caso omiso de la controversia por el momento, Renoir firmó un contrato para filmar un musical de Mi encantadora esposa (1943), luego abandonó el proyecto con casi dos tercios del rodaje.
Esta desventura fue seguida por Esta tierra es mía (1943), una historia de la resistencia francesa filmada completamente en platós de estudio, protagonizada por Charles Laughton, Kent Smith, George Sanders y Maureen O'Hara. La película hizo negocios aceptables en los Estados Unidos, pero recibió una recepción verdaderamente hostil en Francia. Renoir intentó hacer las paces con un corto de 20 minutos, Salute to France (1944), que fue producido por la Oficina de Información de Guerra a partir de un guion de Philip Dunne, Renoir y Burgess Meredith, quien también actuó en la película. Kurt Weill proporcionó la música para este esfuerzo bien intencionado, que no hizo nada para salvar la reputación de Renoir en casa, aunque fue bien recibido en los Estados Unidos.
La siguiente película de Renoir fue una producción independiente, El sureño (1945), protagonizada por Zachary Scott, Betty Field, J. Carrol Naish y Percy Kilbride. Trabajando con su antiguo socio Eugène Lourié como escenógrafo, Robert Aldrich como asistente de dirección y William Faulkner como consultor de diálogos, Renoir creó una de sus películas estadounidenses más satisfactorias, una historia de las pruebas y tribulaciones de un granjero de algodón del sur. El sureño recibió las mejores críticas contemporáneos de cualquiera de los esfuerzos estadounidenses de su director.
Diario de una camarera (1946) fue una elección curiosa para Renoir, y el resultado fue una película muy desigual. El elenco incluyó a Paulette Goddard, Burgess Meredith (quien también coprodujo y fue coautora del guion), Hurd Hatfield, Reginald Owen, Judith Anderson, Irene Ryan y Francis Lederer. Rodada en platós de estudio severamente estilizados, la película es abiertamente teatral y evita casi por completo el estilo que Renoir había desarrollado tan cuidadosamente en sus primeras películas sonoras de la década de 1930. La última película estadounidense de Renoir, Una mujer en la playa (1947), fue dirigida para RKO. Originalmente desarrolló la idea de la película con el productor Val Lewton, justamente famoso por su serie de películas de terror para RKO en la década de 1940. Sin embargo, Lewton dejó la producción antes de que comenzara el rodaje y la película fue sustancialmente cortada antes de su lanzamiento. Ahora circulan al menos dos versiones; la edición más completa comienza con una larga secuencia de pesadilla submarina que recuerda a La hija del agua, en la que los protagonistas de la película, Robert Ryan y Joan Bennett, se encuentran en el fondo del océano. Jacques Rivette, Manny Farber y otros críticos han aclamado la película como una obra maestra. Mutilado como está, muestra una madurez de visión igual a la gracia precisa de La regla del juego (1939) o El crimen del Sr. Lange (1936). En versiones truncadas de tan solo 71 mimutos, la película es solo un fragmento de lo que podría haber sido, pero Rivette la ha comparado acertadamente con Avaricia (1925) de Erich von Stroheim.
El tercer y último período de Renoir como director comienza con El río (1951), una película de producción independiente basada en la novela de Rumer Godden. Rodada íntegramente en Calcuta, ganó el primer premio en el Festival de Cine de Venecia en 1951. Esta historia relajada y contemplativa sobre la mayoría de edad, bellamente fotografiada en Technicolor, representa un retorno al naturalismo de los primeros trabajos de Renoir. La carroza de oro (1952) comparte con Diario de una camarera un intenso interés en el estilo cinematográfico teatral, y le dio a Anna Magnani uno de sus mejores papeles como Camilla, la ardiente diva de una compañía de teatro itinerante. Aunque Eric Rohmer ha llamado a La carroza de oro "el 'sésamo abierto' de todo el trabajo de Renoir", la película no fue bien recibida en su lanzamiento inicial.
Renoir no pudo encontrar respaldo para otra película hasta French Cancan (1955), su primera película realizada en Francia después de más de 15 años. Este San Valentín al Moulin Rouge tuvo un gran éxito de público y contó con varios artistas de music hall franceses en papeles de cameo, incluida una breve aparición de Edith Piaf. Elena y los hombres (1956) protagonizada por Ingrid Bergman, Jean Marais y Mel Ferrer es otra carta de amor ligera a una época pasada.
El testamento del Dr. Cordelier (1959), aunque no es considerada como una de las mejores obras de Renoir, usa múltiples cámaras por primera vez, bloqueando la película como si fuera una obra de teatro de la manera que ahora usan rutinariamente las comedias de televisión. Basado en Dr. Jekyll & Mr. Hyde, la película está protagonizada por Jean-Louis Barrault como el Dr. Cordelier y su alter ego loco, Opale, y está filmada en blanco y negro, en contraste con el exuberante colorido de la otra película de Renoir de este período final.
Comida en la hierba (1959) la siguió, una película de fantasía de actualidad que tiene mucho en común con Una partida de campo (1936). Rodada en deliciosos colores pastel, la película es a la vez efímera y melancólica, como si el director estuviera reconociendo su desconcierto frente a las fuerzas "civilizadoras" de la sociedad moderna. El cabo atrapado (1962) es un retorno a la monotonía de El testamento del Dr. Cordelier; recuerda a La gran ilusión en su historia de la Segunda Guerra Mundial de los numerosos intentos de fuga de un cabo (Jean-Pierre Cassel) que está encarcelado en una serie de campos de prisioneros alemanes.
En 1968, Renoir apareció y dirigió un cortometraje, La dirección de actores por Jean Renoir, que lo muestra dirigiendo a la actriz Gisèle Braunberger en una escena de una novela de Rumer Godden, "Breakfast with Nicolaides". Rodada en medio día, el crédito de dirección de la película a veces se le da a la Sra. Al año siguiente, Renoir dirigió su último largometraje, Le petit théâtre de Jean Renoir, que se estrenó en 1971. Jeanne Moreau aparece en cuatro sketches que Renoir escribió, dirigió y narró para la televisión francesa; cuando se estrenó en cines en los Estados Unidos, fue muy bien recibida, a pesar de que estaba lejos de ser el trabajo más logrado del director.
Por fin, el público había llegado a Jean Renoir. La regla del juego (1939) hacía tiempo que había sido reconstituida y consagrada como una de las mejores películas de todos los tiempos, y su director se complació en aceptar un Óscar honorífico en 1975 por su trayectoria en el cine. El año anterior, Renoir había completado sus memorias, Ma Vie et Mes Films (Mi vida y mis películas), que contienen valiosas ideas sobre el método de guion, dirección y su capacidad para mantener un sentido de "yo" en una industria altamente comercial y competitiva.
En 1977, Renoir recibió su último gran premio, la Legión de Honor francesa, la más importante de las distinciones del país galo.
🎞 Películas de Jean Renoir en dominio público
- El hombre del sur (El sureño) - Jean Renoir (1945) [Drama]
