Imprescindibles: "Andrei Rublev" (1966)

⭐ La vida, la época y los problemas del iconógrafo ruso del siglo XV, San Andrei Rublev sirve de base para hacer un retrado de la vida de Rusia.

 Relato brillantemente ideado y dirigido por Andrei Tarkovsky, en su segundo largometraje, del famoso pintor de iconos del siglo 15, centrándose en un conflicto milenario: ¿debería un artista participar en los trastornos políticos y sociales de la época, o debería simplemente registrar la historia con su pincel? Esta magnífica película es digna de comparación con el mejor de los dramas históricos de Eisenstein. Esta obra maestra Andrei Rublev fue suprimida por las autoridades soviéticas y es una de las películas más reverenciadas de Tarkovsky, una cautivadora meditación sobre el arte, la fe y la resistencia.

 Con guion de su director Tarkovsky y de Andrei Milchakov-Konchalovsky; archivada por las autoridades soviéticas, y no vista hasta 1971.

Sinopsis

 El filme sigue la vida de un renombrado pintor de iconos, evocando vívidamente el turbio mundo de la Rusia medieval. Esta película de ensueño y extraordinariamente táctil sigue a Andrei Rublev emergiendo gradualmente como un hombre que lucha poderosamente para preservar su integridad creativa y religiosa, mientras atraviesa una serie de escenas poéticamente unidas: la nieve cae dentro de una iglesia sin terminar, los paganos desnudos atraviesan un matorral durante un ritual iluminado con antorchas, un niño supervisa la limpieza de la tierra fangosa para la forja de una campana gigantesca... 

Crítica

 Los espectadores y los críticos siempre tienen sus favoritos personales, pero algunas películas alcanzan el estatus de obra maestra que se acuerda por unanimidad, algo que sin duda es cierto para Andrei Rublev, aunque es una película que la gente a menudo siente que no entiende o que no entenderá. Tiene una duración de 205 minutos (en su versión completa), en ruso y en blanco y negro. Pocos personajes están claramente identificados, en realidad suceden pocas cosas y lo que sucede no está necesariamente en orden cronológico. Su tema es un pintor de iconos y héroe nacional del siglo XV, pero nunca lo vemos pintar, ni hace nada heroico. En muchos de los episodios de la película, no está presente en absoluto, y en las últimas etapas, hace voto de silencio. Pero en cierto sentido, no hay nada que "entender" sobre Andrei Rublev. No es una película que necesita ser procesada o incluso entendida, solo experimentada y admirada.

 Desde la primera escena, siguiendo el vuelo de un rudimentario globo aerostático, sedosos movimientos de cámara y austeras composiciones nos transportan a un tiempo y lugar en los que no estamos menos confundidos, asombrados o aterrorizados que el mismo Rublev. Durante las próximas tres horas, nos sumergimos en la suciedad y el caos de la Rusia medieval, arrastrados por la marea de la historia a través de espantosas incursiones tártaras, extraños rituales paganos, hambruna, tortura y privaciones físicas. Experimentamos la vida en todas las escalas, desde las gotas de lluvia que caen sobre un río hasta los ejércitos que saquean una ciudad, a menudo dentro del mismo plano ininterrumpido.

Con Andrei Rublev, Tarkovsky estaba creando conscientemente un lenguaje que no le debía nada a la literatura, y es una lástima que pocos lo hayan seguido. En el cine de hoy, todavía nos sirven biografías de artistas lineales, de causa y efecto, como si, al hacerlo, pudiéramos entender a la persona y ser capaces de dar sentido a su arte. Andrei Rublev opera de acuerdo con una comprensión diferente del tiempo y la historia. Hace preguntas sobre la relación entre el artista, su sociedad y sus creencias espirituales y no busca responderlas. “En el cine es necesario no explicar, sino actuar sobre los sentimientos del espectador, y la emoción que se despierta es la que provoca el pensamiento”, escribió Tarkovsky en 1962.

 A pesar de su aparente falta de forma, Andrei Rublev está estructurado con precisión y es completamente coherente desde el punto de vista estético. Actos de creación se reflejan en actos de destrucción, hay temas de fuga, de visión, de presencia y ausencia; cuanto más miras, más ves. Y luego están los caballos, los eternos favoritos de Tarkovsky: caballos que dan vueltas, caballos que se lanzan a la batalla, nadan en el río, se caen por las escaleras, arrastran a los hombres fuera de las iglesias. A veces, la pantalla se asemeja a una gran pintura de Brueghel que cobra vida, o a un tapiz medieval que se desenrolla. Siempre somos conscientes de que la vida se desborda más allá del marco, y nunca somos conscientes del hecho de que esto se hizo en la Unión Soviética de los años 60. En la propia época turbulenta de Tarkovsky, la película encendió todo tipo de controversia. Su espiritualismo cristiano ofendió a las autoridades soviéticas; su descripción de la historia salvaje de Rusia molestó a nacionalistas como Aleksandr Solzhenitsyn, y su forma desafiante dio lugar a varios recortes. Después de estrenarse en Moscú en 1966, se suprimió hasta el festival de cine de Cannes de 1969 y no llegó a Gran Bretaña hasta 1973.

 No necesariamente sabemos, o necesitamos saber, cómo funciona Andrei Rublev o qué nos dice, pero al final no tenemos ninguna duda de que ha tenido éxito. Cuando en los minutos finales, la película logra su floritura más famosa: la pantalla estalla en color y finalmente estamos listos para ver las pinturas de Rublev en un primer plano extremo; al final de este viaje épico, pueden reducir a un espectador. hasta llorar. A medida que la cámara examina minuciosamente los detalles, las diminutas joyas en el dobladillo de una túnica, las líneas que forman una expresión lamentable en el rostro de un ángel, el dorado empañado de un halo, sentimos que entendemos todo lo que ha pasado en cada pincelada. Nos recuerdan lo que es la belleza. Es lo más cercano a la trascendencia que tiene el cine.

 El filme presenta múltiples tomas icónicas del director de fotografía Vadim Yusov. La sección de prólogo tiene algunos planos aéreos muy hábiles cuando el globo de gas toma un vuelo. La cámara de Yusov captura eficientemente las crudas facetas de la violencia en la pantalla durante casi toda la película. También captura las acciones y emociones de la figura de Cristo Andrei Rublev. La música de Vyacheslav Ovchinnikov resuena con las dificultades de los ciudadanos rusos comunes a principios del siglo XV. Las notables partituras de fondo se han utilizado en las escenas de los rituales paganos, la crucifixión de Cristo y la incursión tártara.

Trasfondo 

 El segundo largometraje de Andrei Tarkovsky, Andrei Rublev, tiene lugar frente a un vasto telón de fondo que ilumina magníficamente la visión y el alma del epónimo monje y pintor de iconos del siglo XV (Anatoly Solonitsyn), lo que demuestra una comprensión compleja de la espiritualidad y la fe que informaría todo él en las películas posteriores del autor ruso. Andrei se nos presenta como un hombre que irradia una piedad serena, proyectando la imagen ideal de devoción mientras viaja por el campo del Gran Ducado de Moscú, visitando catedrales en busca de lugares para ejercer su arte. Su comportamiento contrasta marcadamente con el nerviosismo de sus colegas, los artistas monjes Daniil (Nikolai Grinko) y Kirill (Ivan Lapikov), quienes se mueven a través de la tierra fría y áspera a toda velocidad, movimientos que revelan su ansiedad por dejar la seguridad de su hogar. monasterio. El pragmatismo de los otros monjes se convierte en un contraste para el idealismo de Andrei, que se ve cada vez más desafiado a lo largo del tiempo de ejecución de Andrei Rublev.

 "No entiendo las películas históricas que no tienen relevancia para el presente", escribió una vez Tarkovsky y, por lo tanto, es fácil ver por qué la película no fue vista por el público soviético después de que se completó en 1966. De hecho, Tarkovsky había comenzado a trabajar en el guion con Andrei Konchalovsky antes de terminar su primer largometraje, La infancia de Iván (1962).  Las autoridades soviéticas prohibieron que Andrei Rublev participara en la competencia del Festival de Cine de Cannes. Sin embargo, se proyectó fuera de competición en el Festival de Cine de Cannes de 1969, donde ganó el Premio FIPRESCI. Se clasifica constantemente entre las películas más importantes jamás realizadas. A pesar de su favorable acogida en Cannes en 1969, Leonid Brezhnev se negó a sancionar el estreno nacional de Andrei Rublev. Aunque algunos críticos han sugerido que la descripción de la despiadada tiranía mongola-tártara enfureció al Kremlin, un periódico contemporáneo afirmó que la película había difamado a un héroe nacional al mostrarlo como un artesano que dudaba de sí mismo en lugar de un genio instintivo que había ayudado a encender la chispa. un renacimiento ruso frente a la represión filistea.

 La película ha sido interpretada de muchas maneras, y algunos la ven como una alegoría de la propia lucha de Tarkovsky para producir una belleza duradera en un entorno hostil. Pero lo que ciertamente no es, es una biografía fáctica, ya que Rublev sigue siendo un enigma esquivo que a menudo está ausente de la pantalla y en el centro de los acontecimientos. Puede pelear con un rival por la relación de Dios con la humanidad y matar a un hombre para proteger a una niña sordomuda en la iglesia que ha sido destrozada por bárbaros iconoclastas. Pero Tarkovsky está más preocupado por las imágenes que por los hechos y es el vuelo en globo sobre el campo Breughelesco, los paganos que llevan antorchas a través del bosque, el lanzamiento de la campana y las diversas naturalezas muertas, interiores y rostros que perduran como los fragmentos de color de la obra de Rublev. frescos en la coda culminante.

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